Madones, mères et mois de mai : 1500 ans d’art

Nous sommes au mois de mai et, une fois de plus, la fête des mères est là.

Nommé d’après Maia, la déesse grecque du printemps et de la croissance, le mois de mai est depuis longtemps associé à la fertilité dans la culture occidentale. Les Grecs et les Romains de l’Antiquité célébraient le mois qui relie le printemps à l’été par des rites et des festivités. Les mâts ou arbres de mai, avec leurs rubans, leur verdure, leurs guirlandes et leurs danseurs, sont un autre lien ancien entre le mois de mai et la fécondité.

Très tôt dans leur histoire, les chrétiens ont commencé à associer Marie, la mère de Jésus, au mois de mai, peut-être pour marquer leur foi dans les rituels païens. Bien plus tard, au XVIIIe siècle, les Jésuites ont commencé à reconnaître officiellement cette pratique et, grâce à leurs écoles, le concept du mois de mai comme mois de Marie s’est répandu dans toute la chrétienté occidentale. Aujourd’hui, l’Église catholique honore Marie durant ce mois en tant que « Mère de Dieu et Mère de l’Église ».

Tout au long de ce long développement de la dévotion mariale, les artistes chrétiens ont créé d’innombrables peintures et statues de la Madone et de l’enfant. Par conséquent, bien que l’Église catholique reconnaisse un certain nombre de saintes comme patronnes de la maternité, la Madone demeure le visage de la maternité dans l’Église et dans l’art religieux. Depuis les premières icônes jusqu’à nos jours, cette mère et son fils ont captivé le cœur et l’imagination des spectateurs.

Fenêtres sur le ciel

Comme l’explique l’iconographe Anthony Sweere sur le site de l’Université de Saint-Thomas, « en Orient, l’icône est considérée comme un sacrement, un canal de grâce. Les icônes sont des « fenêtres sur le ciel ». L’icône nous montre, par le biais d’une image, la vie sur le trône de Dieu ; cependant, la vie que nous regardons nous regarde également ».

Pendant des siècles, ces icônes ont constitué la principale forme d’art chrétien. Les icônes représentant Marie et l’enfant Jésus contiennent généralement des symboles religieux ayant une signification profonde pour ceux qui sont capables de les interpréter. En outre, elles représentent l’enfant comme un homme en miniature ou comme un enfant avec un visage d’adulte. Dans l’article « Baby Jesus in Art and the Long Tradition of Depicting Christ as a Man-Child » (L’enfant Jésus dans l’art et la longue tradition de représentation du Christ en tant qu’homme-enfant), l’auteur note à juste titre que « beaucoup de ces images sont assez laides », mais il explique ensuite que les artistes n’étaient « pas intéressés par le naturalisme, mais plutôt par l’expression théologique ». Il s’agit d’une tentative de représenter le Christ comme étant à la fois divin et humain, pleinement formé en tant que tel depuis sa naissance.

Peinte à la Renaissance, Notre-Dame du Perpétuel Secours est l’une des icônes les plus célèbres d’Occident en raison de sa beauté et de son symbolisme. Remarquez, par exemple, que Marie fixe directement le spectateur plutôt que l’enfant Jésus qui s’est réfugié auprès d’elle pour demander de l’aide. Au-dessus du couple planent les archanges Michel et Gabriel, qui tiennent les instruments – la lance, l’éponge, la croix, les clous – de la crucifixion du Christ. Le Christ serre la main de sa mère, symbole de protection, et l’une de ses sandales s’est détachée, signe de sa peur et de sa fuite vers elle. Les lettres grecques identifient les personnages du tableau et les couleurs ont toutes des significations spécifiques. Le jaune, par exemple, est associé au ciel, tandis que le manteau bleu de Marie peut représenter la transcendance et le mystère divin.

La maternité mise en valeur

Alors que l’Église orientale a conservé ce style d’icône jusqu’à nos jours, les artistes occidentaux, à partir du XIVe siècle, ont représenté Marie et Jésus d’une manière plus naturaliste. Dans ces peintures, par exemple, Marie concentre davantage son attention sur son enfant, et Jésus ressemble davantage à un véritable nourrisson qu’à un adulte miniaturisé.

Avec son assemblée de saints entourant Marie et l’enfant Jésus, la Maestà de Duccio di Buoninsegna, datant de la fin du Moyen Âge, est considérée comme le point de départ de cette évolution du style des icônes byzantines vers le naturalisme. Deux cents ans plus tard, alors que la Renaissance s’épanouissait en Italie, ces peintures plus réalistes de la Madone et de l’enfant étaient à la fois courantes et populaires. La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Anne de Léonard de Vinci conserve le manteau bleu traditionnellement associé à Marie, et le Christ enfant caresse un agneau, image du Bon Pasteur. Mais les visages de Marie et de sa mère, Anne, en particulier ces demi-sourires si typiques des mères fatiguées et aimantes, focalisent notre attention sur ces femmes.

Dans sa Madone au long cou, commandée par une église de sa ville natale de Parme, Francesco Mazzola, connu sous le nom de Parmigianino, nous offre une Madone accompagnée à sa droite par des anges. À sa gauche se tient le personnage de saint Jérôme, beaucoup plus petit, sa taille révélant son statut d’homme face à ces figures du ciel. Contrairement aux icônes, cette peinture des anges et de la Vierge Marie est sensuelle et un peu exotique, mais ce qui frappe le plus, c’est l’enfant, au corps anormalement long, couché sur les genoux de sa mère. Parmigianino a réalisé ici une préfiguration de la mort du Christ par crucifixion, une Pietà avec un fils en bas âge plutôt qu’un homme.

La Madone moderne

Quelques centaines d’années plus tard, dans les années 1890, Roberto Ferruzzi a peint la Madone des rues, un portrait tout à fait moderne de la mère et de l’enfant. Le traditionnel manteau bleu demeure, et le foulard doré qui couvre sa tête reflète la couleur du ciel, mais c’est le regard de cette Madone qui retient notre attention. Ses yeux sont tournés vers le ciel et elle semble écouter quelqu’un tandis que son bébé dort paisiblement sur sa poitrine.

Il est intéressant de noter que Ferruzzi n’a pas conçu ce tableau comme un portrait de Marie et de Jésus. Il a pris pour modèle une fillette de 11 ans qu’il a rencontrée un jour dans les rues de Venise, tenant son petit frère contre elle pour le protéger du froid de l’hiver. C’est peut-être parce qu’il a nommé le tableau La Madonnina, ou Petite Madone, que le public italien a immédiatement reconnu l’œuvre comme étant une Madone et son enfant. Le tableau est devenu extrêmement populaire et, aujourd’hui, on trouve des reproductions de la Madone des rues dans les maisons et les églises de tous les États-Unis.

En 1922, juste avant Noël, le Saturday Evening Post a présenté aux lecteurs la Madone à l’Enfant moderne de J.C. Leyendecker, une œuvre tout à fait contemporaine, avec sa robe et sa décoration art déco. Un siècle plus tard, des artistes comme Henry Wingate et Liz Lemon Swindle continuent de peindre pour représenter la Vierge Marie et l’enfant Jésus.

La Bonne Mère

Nous avons à peine effleuré la surface des innombrables peintures de la Vierge et de l’enfant, depuis les icônes chrétiennes les plus anciennes jusqu’aux œuvres des artistes d’aujourd’hui. L’article en ligne de Cindy Ingram présente les 25 Madones et Enfants préférés dans l’histoire de l’art ; un autre site répertorie plus d’une centaine « d’œuvres d’art les plus célèbres célèbres de la Vierge Marie » ; et nous pourrions encore ajouter des images les unes après les autres.

D’après l’art, la littérature et l’enseignement chrétien, nous savons que jusqu’à la Réforme, toute la chrétienté vénérait Marie dans son rôle de mère de toutes sortes de manières, notamment par la prière d’intercession et les pèlerinages dans les sanctuaires et les églises qui lui étaient consacrés. À la fin de la Renaissance, son image et sa réputation étaient omniprésentes dans les églises, les maisons des riches et certains espaces publics.

Nous savons également que pendant 15 siècles, ces images de Marie ont promu certaines vertus de la maternité : la tendresse, la protection, l’attention et l’amour. Pour le dire crûment, ces œuvres ont agi comme des publicités permanentes de service public pour la maternité, bien qu’elles n’aient pas été intentionnelles en tant que telles. La Madone est devenue l’archétype de la bonne mère, un modèle dont la représentation sur toile a certainement touché le cœur de millions de spectateurs.

Après tout, chacun d’entre nous a une mère. Il ne s’agit donc pas seulement d’œuvres d’art devant lesquelles nous nous promenons dans un musée ou une église. Au fil des siècles, dans une proportion que nous ne sommes pas en capacité de mesurer, ces peintures ont sans aucun doute été une source d’inspiration, d’espoir et de réconfort pour d’innombrables mères, trouvant un écho chez celles qui ont eu la chance d’avoir une bonne mère et apportant peut-être du réconfort à celles qui ne sont pas satisfaites de leur mère.

Nous sommes en mai. Quelle que soit notre foi religieuse, nous pouvons regarder ces peintures ou leurs reproductions et en tirer des cadeaux particuliers pour la fête des mères.