Piero della Francesca, l’une des figures fondatrices de la première Renaissance italienne, occupe une place particulière dans l’histoire de l’art. Son œuvre est saluée par les connaisseurs, les artistes et le grand public. Les inconditionnels de Piero se rendent en pèlerinage sur ce que l’on appelle le « sentier Piero della Francesca », en s’arrêtant dans les régions italiennes de Toscane et des Marches pour voir les œuvres les plus remarquables in situ.
Les fresques et peintures époustouflantes de Piero della Francesca captivent l’attention du spectateur grâce à sa création magistrale d’espaces illusionnistes, de figures sculpturales, de lumières et de couleurs lumineuses, et d’atmosphères divines. Plusieurs de ses œuvres les plus sublimes mettent en scène la Vierge et l’Enfant dans un genre connu sous le nom de « sacra conversazione ».
Un « monarque« de la peinture
Piero della Francesca (vers 1415/20-1492) était considéré comme un « monarque » de la peinture de son vivant. Il est né dans la petite ville toscane de Sansepolcro, alors connue sous le nom de Borgo San Sepolcro, près de la frontière ombrienne. Au XVe siècle, la ville était prospère, car elle était située le long des routes commerciales et de pèlerinage.
On sait peu de choses sur les débuts de Piero et sur sa formation artistique. Son intégration avancée de la perspective linéaire – puisqu’il était également un théoricien des mathématiques – indique qu’il a dû être exposé aux artistes de la grande Toscane, en particulier de Florence. En 1439, il travaille dans la ville florentine aux côtés de Domenico Veneziano. L’œuvre de Piero reflète l’influence de ce dernier, et il a également été inspiré par Paolo Uccello et Leon Battista Alberti.
On pense que Piero n’a plus jamais travaillé à Florence après les années 1430, mais sa renommée croissante lui permet de réaliser des projets prestigieux dans les cours de Rome, de Rimini, de Ferrare et d’Urbino. Parmi ses commanditaires, on trouve le Who’s Who du Quattrocento, comme le pape et le duc d’Urbino. Cependant, Piero revenait toujours à Sansepolcro, où il a vécu et a créé des œuvres d’art tout au long de sa vie. Il est mort dans sa ville natale en 1492. Sansepolcro figure dans le paysage de son premier chef-d’œuvre, The Baptism of Christ (Le Baptême du Christ), qui date d’environ 1437-1445.
Une grande partie de l’œuvre de Piero reste insaisissable en termes de date et de signification. Ses exemples de « sacra conversazione » ne font pas exception. Le terme se traduit par « conversation sacrée » et s’applique à un retable qui présente une image centrale de la Vierge à l’Enfant entourée de saints. Malgré le nom du genre, il était rare au XVe siècle que les personnages d’un tableau soient littéralement engagés dans une conversation ; ils étaient plutôt représentés en contemplation. En règle générale, le saint regarde le spectateur, s’engageant directement avec lui. De plus, il fait généralement un geste qui attire le regard sur le groupe central du tableau.
La Vierge à l’Enfant du Clark Art Institute
La Vierge à l’Enfant et quatre anges est une œuvre acclamée de l’illustre carrière de Piero. Ce grand retable, entièrement intact, fait aujourd’hui partie de la collection du Clark Art Institute du Massachusetts, dans les monts Berkshire, mais il avait été commandé à l’origine pour une église ou une résidence privée. Il s’agit de l’une des sept œuvres autographes de Piero conservées dans un musée américain, et c’est la plus belle.
Au centre se tient la Vierge Marie intronisée avec Jésus. Elle tient l’Enfant Jésus sur ses genoux alors qu’il tend la main vers une rose. La rose symbolise plusieurs choses, dont l’amour divin, l’humanité du Christ et la Passion à venir. Le Christ ne recule pas devant son destin. Il tend quand même les mains vers la fleur, et Marie ne la lui arrache pas. Au contraire, elle la regarde attentivement, ayant peut-être une révélation sur ce qu’elle présage. L’importance de la rose est soulignée par le motif de rosette sculpté au bas du trône de marbre de Marie.
Le cadre de l’œuvre est un espace peu profond composé d’éléments architecturaux classiques, tels que les colonnes et les décorations en volutes en haut des murs. Piero a puisé dans l’antiquité gréco-romaine tout au long de sa carrière. Associée au calme des personnages, cette peinture à l’huile et tempera sur panneau dégage une impression d’immobilité, d’harmonie et de divinité.
Quatre anges entourent la Vierge et l’Enfant. Rendus pour donner l’impression qu’ils sont en trois dimensions, ils apparaissent comme d’élégantes statues de marbre portant de simples robes drapées et des ailes aux couleurs contrastées. À droite, l’ange en rouge regarde les spectateurs et désigne l’Enfant. L’ange de gauche, vêtu de blanc, projette une ombre sur la base du trône. Les conservateurs pensent que le tableau était initialement accroché à droite d’une fenêtre et que l’artiste a incorporé la source de lumière réelle.
Les années 1450 ont été une décennie prolifique pour Piero. Il a commencé à travailler pour la cour d’Urbino, pour laquelle on pense qu’il a peint sa célèbre Flagellation du Christ ; il entame la production d’un célèbre cycle de fresques dans l’église San Francesco d’Arezzo, connu sous le nom de Légende de la Vraie Croix ; et il réalise des fresques pour le palais du Vatican. Au cours des décennies suivantes, ses relations avec le dirigeant d’Urbino, le duc Federico da Montefeltro, s’intensifient. Piero reçoit d’importantes commandes, dont un double portrait en diptyque du souverain et de son épouse, qui est devenu l’un des portraits les plus admirés de l’époque.
Le retable de San Bernardino
La Conversation sacrée de Piero, intitulée « Vierge à l’Enfant [entourée] de saints, d’anges et de Federico da Montefeltro » (le commanditaire de l’œuvre), retable de San Bernardino », met en scène le duc parmi des saints et des anges. Il appartient aujourd’hui à la Pinacothèque de Brera à Milan. Les conservateurs pensent que Federico l’a commandé après la naissance de son héritier mâle et la mort de sa femme, et que le tableau contient des symboles de ces deux événements. La Pinacothèque écrit que « l’Enfant endormi fait allusion à la maternité et en même temps à la mort ».
La peinture est réalisée à la détrempe sur panneau et date de 1472 à 1474. Il est possible que le retable était destiné à l’église San Bernardino d’Urbino, construite par le duc pour abriter sa propre tombe. Le cadre classique avec sa lumière vive est similaire à celui de la Vierge à l’Enfant et quatre anges, bien que cette version comporte une abside et une arcade. À l’arrière de la première se trouve une coquille Saint-Jacques renversée d’où pend un œuf d’autruche qui a de multiples significations, comme tant d’autres éléments de l’œuvre de Piero. Dans ce cas, il peut être interprété comme représentant le monde, la maternité de la Vierge, l’emblème héraldique de la famille Montefeltro, ainsi que la Passion et la Résurrection. Ces deux derniers éléments sont également symbolisés par le collier de corail rouge porté par le Christ. Historiquement, les colliers de corail étaient portés par les enfants pour les protéger et leur permettre de faire leurs dents.
En demi-cercle autour de la Vierge et de l’Enfant se trouvent, à partir de la gauche, saint Jean-Baptiste, saint Bernardin, saint Jérôme se frappant la poitrine avec une pierre, saint François montrant les stigmates, saint Pierre de Vérone (ou saint Pierre martyr) avec une blessure à la tête et saint Jean l’Évangéliste. Derrière eux se trouvent des archanges célestes, couverts de joyaux. Federico, en armure, célèbre pour sa puissance militaire et son mécénat artistique, est agenouillé devant la Vierge et Jésus intronisés.
Madonna di Senigallia
Toujours à Urbino, à la Galleria Nazionale delle Marche, se trouve une autre « sacra conversazione » de Piero datant de l’époque où il était employé par Federico. Cette peinture est plus petite et plus intime. La Madonna di Senigallia est une peinture à l’huile et à la détrempe sur panneau datant de 1474 ou 1478. Les spécialistes pensent que le duc l’a offert à sa fille à l’occasion de son mariage avec Giovanni della Rovere, le seigneur de Senigallia.
La composition du tableau est très serrée. Dans cette version, la Vierge tient l’Enfant dans une pose qui rappelle les icônes anciennes, tandis que deux anges discrets se tiennent derrière eux. L’ange de gauche porte un pendentif en forme de perle scintillante, qui symbolise la pureté. Sur cette image, Jésus porte un collier de corail et tient une rose blanche. Au lieu d’une chapelle, les personnages se trouvent dans un intérieur qui ressemble au palais ducal d’Urbino. Une ouverture à gauche montre une autre pièce éclairée de façon béatifique.
La Vierge à l’enfant avec deux anges est arrivée à la Galleria, qui est installée dans le palais ducal d’Urbino, en provenance de l’église Santa Maria delle Grazie de Senigallia en 1917. En 1975, il a été l’un des trois tableaux volés au palais, avec une autre œuvre de Piero, La Flagellation du Christ, et un Raphaël. Des voleurs sont entrés par effraction et ont arraché les tableaux de leur cadre, ce qui a fait l’objet d’une couverture médiatique internationale et a été qualifié de « vol du siècle ». Avertis par un antiquaire romain, les œuvres ont été retrouvées l’année suivante par le département italien des carabiniers pour la protection du patrimoine culturel à Locarno, en Suisse.
Piero della Francesca a créé certaines des œuvres d’art les plus importantes et les plus originales de la Renaissance. Ses peintures sont légendaires pour leur équilibre entre la majesté et l’austérité, la géométrie et la couleur, la crainte et l’émotion. Piero a intégré les techniques les plus récentes : la perspective précise développée par l’école florentine, la manipulation de la lumière, le réalisme et l’utilisation de la peinture à l’huile issus de l’art néerlandais. L’apogée de ses peintures magnifiquement raffinées, qui transcendent la peinture pour devenir une poésie visuelle, comprend ces trois « sacra conversazioni » qui offrent une méditation contemplative infinie.
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