Une exposition extraordinaire s’est ouverte au Metropolitan Museum of Art : « Caspar David Friedrich : The Soul of Nature » (L’Âme de la Nature) – jusqu’au 11 mai 2025. Elle offre la rare opportunité de voir aux États-Unis un assemblage symphonique de plus de 75 peintures et dessins de l’artiste romantique allemand. Des chefs-d’œuvre qui n’ont jamais voyagé dans ce pays, tels que Le Voyageur contemplant une mer de nuages et Le Moine au bord de la Mer, sont juxtaposés aux cinq tableaux de M. Friedrich qui se trouvent dans les collections des musées américains.
L’exposition est organisée à l’occasion du 250e anniversaire de l’artiste. Les célébrations ont commencé en Allemagne en 2023 et 2024, avec des expositions à l’Alte Nationalgalerie du Staatliche Museen zu Berlin, au Staatliche Kunstsammlungen Dresden et à la Hamburger Kunsthalle, qui possèdent d’impressionnantes collections d’œuvres de M. Friedrich. Aujourd’hui, certaines des pièces maîtresses de ces musées ont rejoint le Met pour cette première exposition complète consacrée à l’artiste aux États-Unis.
Le romantisme allemand
Caspar David Friedrich (1774-1840) est né à Greifswald, une ville située au bord de la mer Baltique. Il a étudié l’art dans sa ville natale et s’est formé au Danemark à l’Académie de Copenhague avant de s’installer dans la ville germanique de Dresde. Outre les paysages urbains, les paysages terrestres et marins occupent une place prépondérante dans son œuvre.
Pendant quatre décennies, il fait de fréquents voyages de croquis à travers l’Allemagne pour capturer la Nature dans des dessins qui serviront de base aux peintures qu’il crée en studio. Il est membre de l’Académie de Berlin et de l’Académie de Dresde et, en 1824, il est nommé professeur à cette dernière.
L’art de Caspar David Friedrich reflète le sommet des principes du romantisme sur la réponse émotionnelle de l’humanité au monde naturel. Les thèmes de son œuvre comprennent des méditations sur la solitude, le mystère, l’aspiration, la spiritualité, l’émotion et l’individu. Il les a explorés à travers la lumière et l’ombre, la composition, la couleur et la perspective. Une grande partie de son art est imprégnée du concept de sublime : la beauté et la grandeur combinées au danger et à la terreur.
Caspar David Friedrich, aujourd’hui connu pour ses peintures, n’a commencé à exposer dans ce médium qu’en 1808. Il est intéressant de noter qu’il était connu comme dessinateur et graveur avant cette date. L’exposition du Met est organisée par ordre chronologique et thématique, et commence donc par ses premières œuvres sur papier. Le visiteur voit comment, dès le début, l’artiste a expérimenté la perspective, la composition et le sujet.
Entre 1803 et 1808, les dessins au lavis d’encre présentés par l’artiste pour des expositions publiques à Dresde et à Weimar ont été acclamés par la critique. L’un des exemples présentés dans cette exposition est Vue sur Arkona au lever de la lune, réalisé entre 1805 et 1806. Il s’agit d’une scène d’une exquise tranquillité, et le musée note : « Des reflets étincelants sur l’eau relient le premier plan et l’horizon, accentuant la compression saisissante de la profondeur spatiale. » Il y a un sentiment de solitude ; l’absence d’êtres humains dans le dessin est soulignée par les bateaux vides près des rochers.
Le motif Rückenfigur
Le puissant tableau Le Moine au bord de la Mer, datant de 1808 à 1810, est un exemple précoce de l’œuvre à l’huile de M. Friedrich. Il résume les recherches de l’artiste sur le lien émotionnel de l’individu avec une Nature vaste et impressionnante.
Comme dans beaucoup de ses œuvres, il utilise le motif de la Rückenfigur, qui se traduit par « personnage de dos ». Le fait de peindre des personnes de dos crée un air de mystère et suscite des questions de la part du spectateur. Dans ce tableau, le choix d’un moine évoque une vision mystique. L’artiste a décrit son tableau comme une représentation de « l’inconnu de l’au-delà […] l’obscurité de l’avenir ! Qui n’est jamais qu’une intuition sacrée, qui ne peut être vue et reconnue que dans la croyance ». Cette œuvre, novatrice dans sa représentation de la solitude infinie, a fait sensation lors de son exposition à Berlin et a été achetée par le roi de Prusse.
Le motif céleste est omniprésent dans l’œuvre de Caspar David Friedrich, la Lune et l’étoile du soir (autre nom de la planète Vénus) figurant dans certaines de ses œuvres les plus célèbres. Ces corps célestes étaient considérés comme des symboles de mortalité, de renouveau, de destin et d’espoir pendant la période romantique. Ils lui permettent d’expérimenter la lumière et les lignes d’horizon, créant ainsi de vastes étendues d’un autre monde.
L’artiste a réalisé un trio de peintures représentant deux personnes au clair de lune. L’exemple que possède le Met, Deux Hommes contemplant la Lune, fait partie de l’exposition. Si les personnages solitaires sont fréquents dans son œuvre, certains tableaux présentent des groupes de personnes. En fait, M. Friedrich lui-même était très sociable. Il avait une communauté dynamique d’amis artistes et accueillait sa femme et ses enfants dans son atelier. Deux Hommes contemplant la Lune est l’une de ses œuvres avec plusieurs personnages, et l’on suppose que l’artiste pourrait être l’un des hommes du tableau.
La vedette de l’exposition Caspar David Friedrich : l’Âme de la Nature est Le Voyageur contemplant une mer de nuages. Ce tableau est sans doute le plus célèbre de tout le mouvement romantique, une image indélébile du sublime qui fait partie de la conscience publique. Il est passionnant de le voir en personne.
L’homme, qui tourne le dos au spectateur, surplombe un paysage mystérieux. Le spectateur est fasciné par chaque détail – le costume de velours vert de l’homme, la texture de chaque rocher et les coups de pinceau qui évoquent les nuages, le vent et la brume. Les montagnes sont une constante dans les peintures romantiques, et Caspar Friedrich était un randonneur expérimenté. Dans ce tableau, il s’est inspiré de ses croquis de formations escarpées au sud-est de Dresde. Il a fusionné différents lieux et ajusté les proportions pour créer les structures naturelles du Voyageur contemplant une mer de nuages.
Les dernières œuvres de Caspar David Friedrich
Caspar Friedrich a connu le succès pendant la première partie de sa carrière, mais son style de peinture a perdu la faveur du public à la fin des années 1820 et au début des années 1830. Ses dernières années sont marquées par une mauvaise santé. En 1835, il est victime d’une attaque cérébrale qui l’empêche de peindre. Cependant, il a continué à être inspiré par sa créativité et était capable de réaliser des dessins au lavis avec beaucoup d’habileté.
Une œuvre remarquable à la fin de l’exposition est Cave in the Harz (Grotte du Harz). Ce dessin éblouissant, datant d’environ 1837, montre ce qui pourrait être une ancienne chambre funéraire en Saxe. Les thèmes de la mortalité vont crescendo dans les dernières œuvres de M. Friedrich. Expérimentant jusqu’à la fin, il n’inclut pas de ciel ou de ligne d’horizon, mais plutôt une composition de parois rocheuses étroitement recadrée qui lui permet d’explorer la texture, l’espace et la lumière.
Les dessins et peintures hypnotiques de Caspar David Friedrich exposés au Met illustrent la façon dont le paysage peut être un portail vers l’inconnu sacré. Ils encouragent le spectateur à entreprendre son propre voyage de recherche et de découverte. Ses œuvres énigmatiques invitent à l’immersion et à l’introspection, donnant aux spectateurs une nouvelle appréciation de la Nature.
L’exposition Caspar David Friedrich : l’Âme de la Nature au Metropolitan Museum of Art de New York se poursuit jusqu’au 11 mai. Pour en savoir plus, visitez le site metmuseum.org
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