À partir de 1912, avec la création d’Universal et de Paramount Studios, et pendant un peu plus d’un siècle, les films produits par les cinq grands studios hollywoodiens ont largement dominé l’industrie cinématographique.
Jusqu’à 85 % de tous les films sortis aux États-Unis pendant cette période ont été produits par ces studios. Outre Universal et Paramount, les cinq grands studios comprennent Columbia (fondé en 1918), Disney et Warner Bros. (tous deux fondés en 1923).
Beaucoup de studios débutants ont essayé, mais la plupart qui ont tenté de percer à cette époque ont échoué. Ceux qui sont arrivés plus tard et qui n’ont pas échoué (Fox, DreamWorks, New Line, Miramax, Focus) ont finalement été engloutis et existent toujours comme « boutiques » de films d’art et d’essai, comme filiales ou « parapluies » des Big Five. United Artists (fondée en 1919) et MGM (fondée en 1924) ont tous deux fait faillite à plusieurs reprises. Ils font aujourd’hui partie d’Amazon.
Selon la plupart des estimations, les films sortis pendant la saison estivale (de mars au week-end du 4 juillet) représentent plus de la moitié des recettes annuelles des studios. Le « désert » (janvier, février, août et le reste du mois de juillet) est constitué pour l’essentiel de films jugés insuffisamment forts pour l’été ou pas assez « primés » pour l’automne.
Et c’est là que le bât blesse.
Profit ou prestige
Si les films d’été sont importants pour les Big Five sur le plan financier, la saison d’automne est très importante du point de vue du prestige. La plupart des films sortis par les Big Five à l’automne sont destinés à recueillir les éloges de la critique et à être récompensés par des prix. S’ils rapportent de l’argent, tant mieux, mais si ce n’est pas le cas, ce n’est pas grave non plus. Si une production du Big Five est nommée pour une multitude de prix mais perd de l’argent au box-office, le Big Five s’en moque ; ce qui compte, c’est de se vanter.
Les Oscars – décernés par l’Academy of Motion Pictures Arts and Sciences (AMPAS) – étaient et restent le Saint Graal de toutes les récompenses de l’industrie cinématographique. Pendant la majeure partie du siècle dernier, le Big Five a régné en maître, mais les temps changent.
Pour mettre les choses en perspective, revenons un demi-siècle en arrière, en 1974. Les cinq films nominés par l’AMPAS pour la 47e cérémonie des Oscars étaient Le Parrain, 2e partie (qui a gagné), Chinatown, Conversation secrète (The Conversation), Lenny et La Tour Infernale (The Towering Inferno). Même si j’ai aimé ce dernier, je ne pensais pas qu’il avait l’étoffe d’un meilleur film, mais les autres méritaient amplement leur prix et sont tous des classiques.
Les trois premiers étaient des films de la Paramount (dont deux ont été écrits, réalisés et produits par Francis Ford Coppola) ; Lenny était de la United Artists, et The Towering Inferno de la Fox : trois nominés du Big Five et deux indépendants.
Changement de cap
Il ne s’agit peut-être pas d’un changement majeur, mais certainement d’un changement radical. Du milieu des années 1960 à la fin des années 1970, la plupart, sinon la totalité, des films nominés pour le prix du meilleur film provenaient des cinq grands studios, mais faisaient également partie de la « nouvelle vague américaine » (ANW), une nouvelle génération de cinéastes ayant travaillé entre le milieu des années 1960 et les années 1980.
Le succès au box-office et en termes de récompenses des films de l’ANW est dû à la mort officieuse de « l’âge d’or d’Hollywood ». Après le succès de La Mélodie du bonheur (The Sound of Music)en 1965 et les nombreux échecs qui ont suivi, les cinq principaux studios n’ont eu d’autre choix que de promouvoir ces films « artistiques » afin de survivre financièrement et de rester dominants pendant la saison des récompenses.
Mais c’était la meilleure solution possible pour les Big Five. Les 13 lauréats du meilleur film entre 1967 et 1979, à l’exception de cinq d’entre eux, étaient des films de l’ANW. Mais en 1980, l’ANW était pratiquement à court de créativité. Il convient de noter que 2 des 5 autres lauréats – In the Heat of the Night (Dans la chaleur de la nuit) et Patton – ont été distribués par United Artists et Fox, respectivement.
Personne ne le savait à l’époque, mais l’industrie cinématographique américaine était sur le point de pivoter à nouveau sans le vouloir.
Naissance de la superproduction
Bien que souvent inclus dans le groupe original de cinéastes de l’ANW, le réalisateur Steven Spielberg ne partageait pas la même mentalité d’outsider que ses amis Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma, Hal Ashby, Peter Bogdanovich et George Lucas.
Au début de sa carrière, Steven Spielberg ne pensait qu’à réaliser des films commercialement viables ; il ne s’intéressait pas aux films d’art et d’essai ou aux films à message. Sa mission consistait à produire des films grand public destinés à la consommation de masse.
En 1975, après cinq courts métrages, un téléfilm et un premier long métrage incertain (Sugarland Express), Steven Spielberg reçoit le feu vert d’Universal pour réaliser le thriller d’action Les Dents de la mer. Avec un budget de 9 millions de dollars, Les Dents de la mer a rapporté près de 484 millions de dollars au box-office mondial. Les files d’attente autour des salles de cinéma ont donné naissance à l’expression « blockbuster ».
Aussi révolutionnaire qu’aient été Les Dents de la mer, elles n’ont été qu’une parenthèse par rapport à ce qui allait se produire deux ans plus tard avec la sortie d’un film intitulé A Space Opera, réalisé par George Lucas, un collaborateur fréquent de Steven Spielberg. Ce film allait à la fois sauver, mais aussi faire sombrer la créativité hollywoodienne.
Rendez-vous la semaine prochaine pour la seconde partie de cet article.
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