Les madones vêtues de bleu sont un élément fondamental de l’art occidental depuis le début du Ve siècle. Historiquement, le pigment bleu le plus fin était d’un prix exorbitant, plus cher que l’or, et son utilisation pour Marie, la mère de Dieu, était un moyen de l’honorer. La plus grande peinture de Marie qui illustre son lien avec cette couleur est peut-être la Vierge de l’Annonciation de l’artiste italien de la Renaissance Antonello de Messine.
Magnifiquement peint à l’huile sur bois entre 1475 et 1476, ce petit tableau de dévotion a été comparé à La Joconde en raison de sa beauté magnétique, mystérieuse et sereine.
L’innovation sicilienne
Antonello de Messine (vers 1430-1479) est un artiste majeur du Quattrocento (Renaissance italienne des années 1400) et le plus grand peintre de son époque originaire de Sicile, en Italie. Né Antonello di Giovanni d’Antonio dans la petite ville de Messine, il a longtemps été considéré comme l’importateur de la technique de la peinture à l’huile en Italie. Bien que l’on sache aujourd’hui que cette affirmation est fausse, Antonello était techniquement brillant – presque sans égal – dans ce domaine. En particulier dans les portraits réalistes, il utilisait l’huile pour dépeindre des détails minutieux et des couleurs subtiles. Il donnait vie à ses sujets : les personnages apparaissent comme s’ils participaient à un dialogue tacite véhiculé par leurs expressions faciales.
Le Portrait d’homme de l’artiste, conservé à la National Gallery de Londres, est considéré comme un excellent exemple de sa peinture réaliste. La capacité d’Antonello à montrer des aspects psychologiques qui offrent des aperçus d’une vie intérieure était novatrice dans la peinture européenne.
Les œuvres d’Antonello reflètent une exposition cosmopolite, ce qui est surprenant étant donné que sa ville natale était considérée comme une périphérie de l’Europe. Ses influences vont de ses compatriotes italiens aux artistes néerlandais, pionniers de la peinture à l’huile, en passant par les peintres français, espagnols et provençaux. Antonello a passé la plus grande partie de sa vie à Messine, bien que des visites à Naples et à Venise aient été confirmées.
C’est pendant son séjour à Naples, où il a peut-être suivi une formation artistique, que les spécialistes pensent qu’il a été exposé à des œuvres de Jan van Eyck et de Rogier van der Weyden. La question de savoir s’il s’est effectivement rendu aux Pays-Bas ou dans d’autres pays continue d’intriguer les historiens de l’art, étant donné sa glorieuse distillation des avancées artistiques étrangères.
L’une de ses peintures les plus prisées est Saint Jérôme dans son étude, remarquable pour son exploration harmonieuse de l’espace et de la lumière. Il est amusant de constater qu’un siècle après sa réalisation, un connaisseur d’art vénitien a déclaré qu’il s’agissait de l’œuvre d’un artiste néerlandais comme van Eyck, écartant la possibilité qu’elle soit de la main d’un Italien.
Outre les portraits, Antonello était un grand peintre de scènes religieuses et de paysages. Le point culminant de la carrière d’Antonello est un séjour à Venise de 1475 à 1476. C’est à cette période qu’il a reçu la commande du Retable de San Cassiano. Seul le fragment central du retable, représentant une Vierge à l’Enfant entourée de saints, est conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne. Dans son état original, il a été, avec d’autres œuvres d’Antonello, une grande source d’inspiration pour des artistes vénitiens tels que Giovanni Bellini.
La Vierge de l’Annonciation date soit de sa période vénitienne, soit juste après son retour à Messine. L’œuvre est conservée à la Galleria Regionale della Sicilia, située dans le Palazzo Abatellis de Palerme. Ce tableau a fait l’objet d’erreurs d’attribution – il a été considéré à un moment donné comme étant d’Albrecht Dürer et a été confondu avec une copie mineure de la Gallerie dell’Accademia de Venise. Aujourd’hui considéré comme un chef-d’œuvre d’Antonello, il est considéré comme l’une des plus belles peintures sur panneau du début de la Renaissance italienne.
Luxe et labeur du lapis-lazuli
Le pigment bleu est vénéré depuis des millénaires. Difficile à trouver et à extraire de sources naturelles, il est devenu un produit de luxe aux connotations de richesse, de royauté et de divinité. L’outremer est un pigment « bleu véritable » dérivé de la roche métamorphique lapis-lazuli. Les gisements historiques les plus célèbres se trouvent en Afghanistan. L’extraction du bleu de la pierre et sa préparation en tant que pigment demandent beaucoup de travail. La substance obtenue a voyagé dans toute l’Asie par la route de la soie.
Elle a finalement atteint l’Europe par le port de Venise, où elle est devenue un élément prestigieux de la palette de l’artiste au début de la Renaissance italienne. Des artistes comme Cimabue, Duccio et Giotto l’utilisent. Pendant la Haute Renaissance, les pigments de lapis-lazuli sont visibles dans les œuvres de Botticelli, Raphaël et Titien.
Les artistes byzantins ont été les premiers à revêtir Marie d’un manteau bleu, bien que le pigment moins cher de l’azurite ait été utilisé pour ces icônes. Au fil du temps, le bleu a pris des significations symboliques de pureté, d’humilité et de sainteté.
Les statiques icônes médiévales de la Madone en bleu avec l’Enfant Jésus ont évolué à la Renaissance vers des peintures présentant des scènes narratives de sa vie. Une époustouflante Vierge en bleu, antérieure à la version d’Antonello, figure dans L’Annonciation de van Eyck. En outre, des sculptures polychromes de l’époque représentent la Vierge en bleu.
Vierge de l’Annonciation
La Vierge poignante d’Antonello est drapée dans un tissu bleu volumineux et chaudement saturé. Il s’agit d’une jeune adolescente, peut-être âgée de 13 ou 14 ans, mais dont la prestance dépasse son âge. La Madone est assise devant un arrière-plan sombre et isolé qui communique un sentiment de sacralité. La construction de la composition par l’artiste la rend à la fois réaliste et énigmatique. Elle semble tangible : sa main expertement raccourcie s’étend au-dessus du livre de prières ouvert pour bénir le spectateur, mais sa pose modeste et ses yeux baissés témoignent d’une certaine réserve.
Cette version de l’Annonciation, qui était un thème populaire dans la peinture de la Renaissance, est inhabituelle dans la mesure où l’archange Gabriel n’est pas représenté. Au lieu de cela, l’artiste a placé le spectateur à sa place, approfondissant ainsi le lien émotionnel entre les personnages à l’intérieur et à l’extérieur du plan de l’image. Au milieu d’une longue lignée de madones bleues, la Vierge de l’Annonciation conserve un magnétisme qui oblige à la contemplation.
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